Filozofia projektowania: Naoto Fukasawa — Without Thought

Zasada

„Myślenie wymaga czasu. Odczuwanie dokonuje się w jednej chwili.” — Naoto Fukasawa¹

Większość projektów produktowych chce zostać zauważona. Projekty Fukasawy chcą zostać użyte, zanim je zauważymy. Jego określenie na to brzmi „Without Thought”: projektowanie skierowane do ciała, a nie do umysłu, oparte na gestach, które ludzie wykonują, nie podejmując o tym decyzji. Nikt nie uczy się pociągać zwisającego sznurka — ręka już wie. Projekt, który zapożycza istniejące zachowanie, nie potrzebuje instrukcji, wdrożenia ani chwili, w której użytkownik zatrzymuje się i myśli. Jak ujął to w wywiadzie dla designboom: „projekt przedmiotu odpowiada naszym nieświadomym ruchom oraz otaczającemu nas środowisku”.¹

To inny rodzaj redukcji niż dwa, które seria już opisała. Dieter Rams redukuje, by objaśnić: zredukowany przedmiot deklaruje swoją funkcję. Kenya Hara redukuje, by zaprosić: pusty przedmiot czeka na naszą interpretację. Fukasawa usuwa potrzebę interpretacji w ogóle. Przedmiot wpasowuje się w zachowanie, które już istniało, a interakcja zachodzi, zanim dotrze świadoma uwaga. Rams deklaruje. Hara zaprasza. Fukasawa rozpuszcza.

Kontekst

Fukasawa urodził się w prefekturze Yamanashi w 1956 roku, a w 1980 roku ukończył wydział projektowania produktu na Tama Art University. Pierwsze osiem lat spędził w Seiko Epson jako projektant w dziale zaawansowanego rozwoju, po czym w 1989 roku przeniósł się do San Francisco, by dołączyć do ID Two — pracowni, która przekształciła się w IDEO — i projektować dla firm z Doliny Krzemowej. W 1996 roku wrócił do Japonii, aby założyć i poprowadzić tokijskie biuro IDEO.²³

Lata w pracowni projektowej mają znaczenie, bo wyszkoliły metodę. Projektowanie zorientowane na człowieka, tak jak praktykowało je IDEO, opiera się na obserwacji — na przyglądaniu się temu, co ludzie faktycznie robią, a nie temu, co mówią, że robią. Fukasawa wyostrzył to w coś bardziej radykalnego: w przyglądanie się temu, co ludzie robią, nie zdając sobie sprawy, że to robią. Opieramy parasole o ściany, wieszamy torby na klamkach, znajdujemy włącznik światła, nie patrząc — cały słownik zachowań, który przebiega poniżej świadomej uwagi. W 1999 roku Fukasawa zaczął prowadzić coroczne warsztaty wokół tej idei, którym nadał nazwę Without Thought. Pierwszy komercyjny dowód wyszedł z prac z tego samego roku: odtwarzacz CD dla MUJI, który trafił ostatecznie do MoMA.²⁴

W 2003 roku usamodzielnił się, zakładając w Tokio Naoto Fukasawa Design i uruchamiając markę ±0 (Plus Minus Zero) — markę artykułów gospodarstwa domowego opartą na przedmiotach, które są „w sam raz”.³ Role instytucjonalne narastały: członek rady doradczej ds. projektowania w MUJI, dyrektor artystyczny wytwórcy mebli Maruni, przewodniczący jury nagrody Good Design Award w latach 2010–2014, profesor Tama Art University, a od 2012 roku dyrektor Muzeum Rzemiosła Ludowego Japonii — Mingeikan, tokijskiego muzeum, które Yanagi Sōetsu zbudował, aby uczcić anonimowe rzemiosło codzienności.²³ To ostatnie stanowisko jest ze wszystkich najmniej zaskakujące. Cała kariera Fukasawy jest dowodem na to, że najlepsze projekty — podobnie jak najlepsze rzemiosło ludowe — nie potrzebują sygnatury autora, aby działać.

Twórczość

Naścienny odtwarzacz CD dla MUJI (1999): wentylator, który gra muzykę

Pomysł zaczął się od podobieństwa: płyta CD wirująca w odtwarzaczu wygląda jak obracające się łopatki kuchennego wentylatora wyciągowego. Fukasawa poszedł za tym podobieństwem aż do końca i zapożyczył także interfejs wentylatora — zwisający sznurek do pociągania. Efektem, produkowanym przez MUJI od 1999 roku, jest kwadrat z wtryskiwanego tworzywa ABS, o boku 17,1 centymetra i głębokości 3,8, montowany na ścianie niczym wentylator wyciągowy. Zwisający kabel zasilający pełni rolę przełącznika: wystarczy go pociągnąć, a odsłonięta płyta zaczyna się obracać i grać.⁴

Interakcja jest tu projektem. Nikt nie czyta instrukcji do sznurka; ten gest należy do wentylatorów łazienkowych i lampek w szafie, a ręka wykonuje go, zanim umysł zdąży się wtrącić. Fukasawa skonstruował drobne zmylenie z nagrodą w środku — gest, który powinien wprawić w ruch powietrze, zamiast tego wprawia w ruch muzykę. Nota katalogowa V&A wykłada tę zasadę wprost: produkty nie powinny wymagać instrukcji obsługi; ich działanie powinno być oczywiste instynktownie.⁴

MoMA pozyskało odtwarzacz do swojej stałej kolekcji, a MUJI utrzymuje go w produkcji od dziesięcioleci.⁵ W przypadku produktu elektronicznego, którego logiką kategorii jest zaplanowane postarzanie, ta trwałość stanowi cichszą połowę argumentu: przedmiot, który przywiązuje się do ludzkiego zachowania, a nie do cyklu technologii, przeżywa samą technologię.

Nawilżacz ±0 (2003): kropla wody na podłodze

Nawilżacz był deklaracją otwarcia dla marki ±0, którą Fukasawa uruchomił w tym samym roku co swoje studio. To błyszczący obwarzanek o średnicy około 30 centymetrów, formowany z poliwęglanu i polipropylenu — forma, którą zapis Cooper Hewitt opisuje jako błyszczący, bulwiasty kształt zainspirowany kroplą wody.⁶ Zadaniem nawilżacza jest wprowadzanie wody do powietrza; Fukasawa nadał przedmiotowi formę samej wody, spoczywającej na podłodze niczym coś rozlanego i doprowadzonego do perfekcji.

Wykończenie niesie w sobie filozofię. Szew, w którym stykają się formowane połówki, jest wygładzony, zminimalizowany, sklejony, pomalowany i ręcznie wypolerowany, aż przedmiot odczytuje się jako jedna ciągła forma.⁶ Produkcja masowa plus ręczne wykończenie, użyte po to, by zatrzeć ślady wytworzenia — ta sama obsesja na punkcie niewidocznego szwu, która przewija się przez prace Jony’ego Ive’a w Apple. Użytkownik nigdy świadomie nie rejestruje nieobecnego szwu. I o to właśnie chodzi. Widoczne złącze to niewielkie żądanie uwagi, a projektowanie Without Thought nie wydaje uwagi na nic.

Podobnie jak odtwarzacz CD, nawilżacz trafił do kolekcji MoMA.⁷ Dwa na dwa: muzeum uwierzytelnia przedmioty zaprojektowane tak, by nie zwracać na siebie uwagi.

Krzesło Hiroshima dla Maruni (2008): rzemiosło w skali przemysłowej

W 2008 roku Maruni Wood Industry — wytwórca mebli z miasta, od którego krzesło wzięło nazwę — uruchomił Maruni Collection wspólnie z Fukasawą, który został dyrektorem artystycznym firmy.³⁸ Fotel Hiroshima jest okrętem flagowym: buk lub dąb, podłokietniki i niskie oparcie sprowadzone do jednej ciągłej linii, bez niczego, co odczytywałoby się jako stylizacja.⁹ Elementy są wycinane na pięcioosiowych frezarkach CNC, a następnie montowane i wykańczane ręcznie — logika produkcji nawilżacza ±0 przełożona na drewno.⁸

Krzesło nie wychodzi na zdjęciach efektownie i jest to zamierzone. Jego zalety to te, które odkrywa się w trzydziestej minucie siedzenia, a nie w pierwszej sekundzie patrzenia — deklarowana przez Fukasawę istota projektowania, to „co początkowo się przeoczyło”, a co odsłania dopiero używanie.¹

Najbardziej brzemienne w skutki poparcie przyszło z Cupertino: budując Apple Park, Apple zamówiło tysiące krzeseł Hiroshima na tarasowe strefy jadalne kampusu i do centrum dla odwiedzających, z wykończeniami dostosowanymi do budynku.⁸ Firma, która ma obsesję na punkcie niewidocznych detali, wyposażyła swoją siedzibę główną w krzesło zaprojektowane dokładnie na tej zasadzie.

Metoda

Warsztaty Without Thought odbywają się co roku od 1999 roku: projektanci fotografują i katalogują nieświadome zachowania, a następnie projektują przedmioty, które się do nich przyczepiają.³ Surowcem nigdy nie jest forma ani technologia; jest nim zachowanie, które już istnieje. Oficjalna biografia Fukasawy sprowadza tę metodę do jednego zdania — odnajdywania impulsu do projektowania w nieświadomych zachowaniach ludzi — a jego roboczym skrótem dla celu jest „projektowanie rozpływające się w zachowaniu”.³

Dyscyplina, jakiej to wymaga, jest przede wszystkim wyrzeczeniem. Instynkty projektanta pchają go ku nowości, sygnaturze, rozpoznawalnej ręce. Fukasawa traktuje je jak wady: „Lubię, gdy projekt nie sprzedaje mojego nazwiska ani mojej charakterystycznej cechy, gdy jest po prostu przedmiotem, który akurat tam jest”.¹ Jego rada dla młodych projektantów to nie technika, lecz postawa: projektować znaczy obserwować obiektywnie, mając świadomość samych siebie jako „zwykłego elementu większego otoczenia”.¹

W czerwcu 2006 roku wspólnie z Jasperem Morrisonem nadał tej filozofii kanon. Ich wystawa Super Normal w Axis Gallery w Tokio zgromadziła około 200 przedmiotów — anonimowych rzeczy codziennego użytku, jak koszyk na zakupy, obok klasyków wzornictwa autorstwa Ramsa, Jacobsena, Billa i Noguchiego — które łączy jedna cecha: w długotrwałym, codziennym użytkowaniu przewyższają swoje bardziej efektowne odpowiedniki.¹⁰ Towarzysząca wystawie książka, wydana przez Larsa Müllera, dokumentuje 204 z nich.¹¹ Super Normal to Without Thought przekute w argument kuratorski: najlepsze przedmioty to te, które stały się niewidzialne przez używanie — niezależnie od tego, czy wykonał je słynny projektant, czy nikt nie pamięta, kto.

Łańcuch wpływów

Kto go ukształtował

Dieter Rams dostarczył rodowodu redukcji. Kanon Super Normal obejmuje prace Ramsa dla Brauna jako wzorzec zwyczajności doprowadzonej do perfekcji, a produkty Fukasawy dla MUJI są najczytelniejszymi współczesnymi potomkami białego, cichego funkcjonalizmu Brauna.¹⁰ Dziedzictwu towarzyszy mutacja: Rams usuwał zbędne z przedmiotu; Fukasawa usuwa zbędne także z interakcji. (Wpływ bezpośredni)

Tradycja mingei — japoński ruch rzemiosła ludowego, zinstytucjonalizowany w muzeum, którym Fukasawa dziś kieruje — dostarczyła głębszej przesłanki: że anonimowe, wolne od autorskiej autorefleksji wytwarzanie rodzi przedmioty najwyższej jakości właśnie dlatego, że nikt nie starał się być oryginalny.² Super Normal to argument mingei wyrażony na nowo dla produktu przemysłowego. (Fundament kulturowy)

Lata w pracowniach ID Two i IDEO zbudowały metodę obserwacji. Czternaście lat wewnątrz praktyki projektowania zorientowanego na człowieka, od Doliny Krzemowej po Tokio, uczyniło z obserwowania użytkowników jego naturalny instrument — który następnie skierował poniżej progu świadomości samych użytkowników.²³ (Praktyka formacyjna)

Kogo ukształtował

Tożsamość produktowa MUJI. Naścienny odtwarzacz CD stał się wzorcowym przedmiotem MUJI: bez marki, z prymatem zachowania, obojętny wobec trendów. Jako członek rady doradczej ds. projektowania u boku dyrektora artystycznego Kenyi Hary, Fukasawa buduje przedmioty opisywane przez filozofię pustki Hary — Hara formułuje pustkę; Fukasawa wytwarza rzeczy, które w niej znikają. Hara włączył zaprojektowaną przez Fukasawę na nowo torebkę herbaty do swojej wystawy RE-DESIGN z 2000 roku, a obaj przez dwie dekady stanowili fundament myślenia projektowego MUJI. (Współpraca partnerska)

Jony Ive i Apple dzielą z nim rodowód, a nie kopiują twórczość: obie drogi prowadzą z powrotem do Ramsa. Ale uznanie jest konkretne — tysiące krzeseł Hiroshima na tarasach jadalnych Apple Park i w centrum dla odwiedzających, ręcznie wykończone tak, by pasowały do kampusu.⁸ Gdy firma z największą obsesją na punkcie detali w całej elektronice użytkowej potrzebowała krzeseł godnych swojej siedziby, wybrała projektanta, którego krzesła odmawiają popisywania się. (Zbieżny rodowód, udokumentowane poparcie)

Nić przewodnia

Zestawmy obok siebie tych trzech redukcjonistów z orbity MUJI, a seryjna mapa „mniej” dopełnia się sama. Przedmiot Ramsa mówi: oto moja funkcja, nic więcej. Przedmiot Hary mówi: ta przestrzeń jest twoja. Przedmiot Fukasawy nie mówi nic — twoja ręka już go użyła. Don Norman dał projektowaniu interakcji słownik afordancji, czyli właściwości przedmiotu, które sygnalizują, jak go używać; Fukasawa buduje przedmioty, które są niemal samą afordancją bez sygnału, bo zachowanie, które umożliwiają, już wcześniej mieliśmy. Przewodnik po projektowaniu pokazuje, jak te stanowiska łączą się w obrębie serii. (Pomost serii)

Co z tego biorę dla siebie

Sznurek do pociągania to doskonały interfejs, bo zapożycza zachowanie, zamiast go uczyć. Taką miarę przykładam do oprogramowania: HTMX działa, ponieważ kliknięcie, które podmienia HTML, to najstarszy gest sieci, a dobra flaga CLI działa, ponieważ odpowiada pamięci mięśniowej każdego wcześniejszego CLI. W chwili, gdy ktoś musi sięgnąć po instrukcję, zmusiłem go do myślenia — a myślenie, jak mówi Fukasawa, wymaga czasu.

FAQ

Na czym polega filozofia projektowania Naota Fukasawy?

Filozofia Fukasawy to „Without Thought”: projektowanie, które przyczepia się do nieświadomych zachowań ludzi, tak by używanie przedmiotu nie wymagało namysłu, instrukcji ani nauki. Cel opisuje jako „projektowanie rozpływające się w zachowaniu” — przedmiot znika w geście, któremu służy. Ideę tę rozwija poprzez coroczne warsztaty od 1999 roku oraz poprzez swoją pracę produktową dla MUJI, ±0 i Maruni.¹³

Co zaprojektował Naoto Fukasawa?

Jego najbardziej znane prace to naścienny odtwarzacz CD dla MUJI (1999, w kolekcji MoMA), nawilżacz ±0 (2003, w MoMA i Cooper Hewitt), telefon komórkowy INFOBAR dla KDDI (2003) oraz krzesło Hiroshima dla Maruni (2008), którego tysiące egzemplarzy wyposażają Apple Park. Jego studio projektowało dla ponad 70 marek, w tym Herman Miller, Alessi i Samsung.²³⁵

Czym jest Super Normal?

Super Normal to koncepcja i wystawa stworzona przez Fukasawę i Jaspera Morrisona w czerwcu 2006 roku w Axis Gallery w Tokio, celebrująca około 200 przedmiotów — wiele anonimowych, niektóre autorstwa projektantów takich jak Rams czy Jacobsen — które dowodzą swojej wartości poprzez długotrwałe, codzienne użytkowanie, a nie wizualną nowość. Towarzysząca jej książka, wydana przez Larsa Müllera, dokumentuje 204 przedmioty.¹⁰¹¹

Czego projektanci mogą się nauczyć od Naota Fukasawy?

Obserwować, co ludzie robią, nie zdając sobie z tego sprawy, i projektować właśnie pod to. Zapożyczać istniejące gesty zamiast wymyślać nowe — interfejs oparty na wyuczonym zachowaniu nie potrzebuje instrukcji. Oceniać przedmioty po trzydziestym dniu używania, a nie po pierwszym wrażeniu. I traktować własną sygnaturę jako koszt: przedmiot, który „akurat tam jest”, przetrwa przedmiot, który się popisuje.¹

Źródła

Zdjęcia: portret i fotografia krzesła Hiroshima dzięki uprzejmości Naoto Fukasawa Design; odtwarzacz CD © Victoria and Albert Museum, London; nawilżacz dzięki uprzejmości Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum.