デザイン哲学：ダニエル・アーシャム — すべてはやがて遺物になる

原則

「今日存在するすべてのものは、未来において遺物となります――考古学的な対象になるのです。架空の考古学というアイデアは、時間という視点を通じてそれらを眺めること、つまり遥か未来の時代から現在を見つめ直すことを可能にします。」 – ダニエル・アーシャム¹

アーシャムの手法は「時間的置換」です。現在の日用品――カメラ、ポルシェ、バスケットボール、キーボード――を火山灰、セレナイト、石英、水晶で鋳造します。できあがった彫刻は、まるで1000年後の発掘現場から出土したかのように見えます。それらは見慣れたものでありながら同時に異質でもあります。対象物が何であるかは認識できるのに、素材がそれを深い時の流れを経たものだと語りかけてくるのです。

ここで重要なのは、二重の読み取りが可能だという点です。「私の作品は崩壊しているように見えますが、水晶や火山灰といった、長い地質学的時間を連想させる素材で作られています」とアーシャムは説明します。「そのため、作品には二つの読み方があります。ひとつは崩れ落ちていくという見方、もうひとつは完成に向かって結晶化していくという見方です。」¹

崩壊と形成は、時間の中で異なる位置から見た同一のプロセスにすぎません。これは無常を嘆く悲観主義ではありません。時間そのものを素材として扱うデザイン手法なのです。

背景

ダニエル・アーシャムは1980年にクリーブランドで生まれ、マイアミで育ちました。1992年、ハリケーン・アンドリューが家族の自宅を破壊します。当時12歳。補強されたクローゼットに隠れ、そこから出ると、壁は引き裂かれ、家財は無意味な山と化していました。この体験は、彼が手がけるすべての侵食された彫刻に表れています――破壊と再構成の途上にある物体、内部をさらけ出す構造物。²

アーシャムは重度の色覚異常を持ち、通常の目が認識するもののおよそ20%しか識別できません。白、グレー、柔らかなミネラルトーンが支配する、あの特徴的なほぼモノクロームのパレットはここに由来します。矯正用のEnChromaメガネを受け取ったとき、その調整は必ずしも歓迎されるものではありませんでした。「このメガネをかけるほど、常時かけることが難しく思えてきます。予想していなかった影響がありました。色彩疲労とでもいうような感覚です。」³

クーパー・ユニオンに全額奨学金で入学し、2004年、24歳でマース・カニンガムの舞台デザインを手がけ始めます。カニンガムのカンパニーと協働した最年少のアーティストであり、2009年のカニンガムの死去前に協働した最後のアーティストでもありました。この関係は彼の基盤となりました。「異なる人々が一緒に仕事をしながらも、それぞれが自分の最高の力を発揮するだけでよい――そういう状況を生み出す技法について、カニンガムから多くを学びました。」⁴

2007年、クーパー・ユニオンの同窓生アレックス・ムストーネンと共にSnarkitectureを設立。同事務所は「アートと建築の境界領域で活動し、見慣れたものを非日常へと変容させること」を重視しています。⁵

作品

架空の考古学（2011年〜現在）：イースター島での啓示

この手法が結晶化したのは、2011年のイースター島でのことでした。アーシャムは考古学者がモアイ像を発掘する様子を観察していたとき、100年前の考古学者が残した道具が同じ地層に埋まっていることを発見します。「それを見て、二つの別々の物体――1000年前の彫刻と、もっと現代的な道具――の間で時間が崩壊するというアイデアが浮かびました。」¹

帰国後、現代の日用品を地質学的素材――火山灰、水晶、ブルーカルサイト、氷河岩塵――で鋳造し始めます。まるで遠い未来に発掘されたかのように。選ぶ対象は意図的に普遍的なものばかりです。「架空の考古学の作品群を構想する際、普遍的な意味を持つ目印を探しました。ここでも、日本でも、南米でも、世界のどこでも見つかるものを選んだのです。」¹

水晶のバスケットボール。侵食されたポルシェ911。火山灰のカメラ。どの対象物もそれと認識できますが、時間の中で置換されています。見る者はそれが何であったかを理解しつつも、素材はもはやそれではない――あるいはまだそれになっていない――と告げるのです。

Snarkitecture — The Beach（2015年）：体験としての空間

Snarkitectureの最も称賛されたインスタレーションは、ワシントンD.C.のナショナル・ビルディング・ミュージアムを約100万個の半透明リサイクルボールで埋め尽くしたものでした。約930平方メートルにわたり、ビーチチェアとパラソルが配置された15メートルの「海岸線」が、鏡面の壁に無限に映し出されます。来場者は5万人を超え、シドニー、パリ、タンパ、バンコクへと巡回しました。⁵

The Beachは、アーシャムの空間的思考を実証するものでした。建築は体験の器ではなく、建築そのものが体験なのです。ボールは装飾ではありません。それはメディウム（媒体）です。地面が不安定で半透明、くるぶしの深さになったとき、建物の感触は完全に変わります。「ビーチ」という見慣れたものが、素材の置換によって「新古典主義の美術館の内部」という非日常に変容するのです。

クリーブランド・キャバリアーズ クリエイティブディレクター（2020年〜現在）：制度的スケールのデザイン

アーシャムは、プロスポーツ界で初めてクリエイティブディレクターの肩書を持つアーティストとなりました。キャバリアーズのロゴをリデザインし（1990年代にインスパイアされたシンプル化）、クリーブランドのターミナルタワーを基にした2022年NBAオールスターゲームのロゴを制作。コートのリデザイン、ロケット・モーゲージ・フィールドハウスのウォークイントンネルの改装も手がけています。⁶

「私の家族のクリーブランドとのつながりは1908年にさかのぼります」とアーシャムは語りました。「もしウォーホルが今生きていたら、ニックスのクリエイティブディレクターをやっていたでしょう。彼ならそこで何をすべきかわかったはずです。」⁶ これは誇大妄想ではありません。ある立場の表明です。アートと商業デザインの境界は、アーティストをギャラリーに閉じ込め、大多数の人々が実際にビジュアル・アイデンティティに触れる場所から遠ざけることで利益を得る人々が維持しているフィクションだ、ということです。

コラボレーション：Dior、Adidas、Porsche、Pharrell

アーシャムの商業コラボレーションは、架空の考古学の手法をプロダクトに適用したものです。Adidas Futurecraft 4D（2018年）は、侵食された未来の遺物としてデザインされたスニーカー。DiorのSS20コレクションではキム・ジョーンズとのコラボレーションで、水晶で覆われた彫刻がランウェイファッションと並びました。Porscheとのパートナーシップでは、ブルーカルサイトと火山灰で侵食された911が制作されています。⁷

ヴァージル・アブローはアーシャムのリッツォーリ社モノグラフの序文を執筆しました。両者はアートと商業が対立するものではなく、白いTシャツもキャンバスと「同じように」アートによって変容しうるという信念を共有しています。⁸ アーシャムはファレル・ウィリアムスとも直接コラボレーションし、ファレルの最初のキーボードを火山灰で再現しました。

手法

「おそらく新しいアイデアの50%は、うまくいかなかったものから生まれます」とアーシャムはThe Talksに語っています。「私の作品の多くは偶然や失敗から生まれます。うまくいかなかったものを見つけ、それについて新しい方法で考えるのです。」²

この失敗率は告白ではありません。手法そのものなのです。アーシャムのスタジオでの実践は、科学的な意味での実験です。素材の組み合わせを試し、結果を観察し、うまくいったものを残し、そうでないものを捨てる。そして捨てたものを後から再検討する。なぜなら「そこにたどり着くまでに何年もかかることがある」からです。²

「すべて手作りです。型もすべて手作りです」とAutre Magazineに語っています。⁹ 精度のために3Dプリンティングも使用します――「3Dプリンティングで部品を作り、鋳造後に完璧にかみ合うようにしています」――しかし、制作工程は物理的なものです。² 手の痕跡が作品に残ります。地質学的素材は本物であり、模造品ではありません。水晶は実際に成長し、火山灰は実際の火山から噴出されたものです。

「私はすべてを一種の建築として考える傾向があります」とアーシャムは述べています。「展覧会も、彫刻も、本も、すべてに構造とリズムが必要です。」¹ クーパー・ユニオンとカニンガムの舞台コラボレーションから受け継いだ建築的思考により、一つの彫刻でさえ、孤立したオブジェクトではなく空間体験としてデザインされるのです。

「ほとんどの人は、10年間失敗し続ける覚悟を持っていません」と彼は観察しています。¹⁰ その忍耐こそが、この手法のコストです。見返りは、彫刻、建築、ファッション、映画、プロスポーツにまたがりながら、いずれのメディアも主軸として特別扱いしない作品群です。

影響の連鎖

彼を形づくった存在

マース・カニンガムは、アーシャムにコラボレーションの方法論を授けました。複数の実践者が個々の卓越性を損なうことなく、共有されたビジョンに向かって独立して働くことができるという考え方です。カニンガムの舞台デザイン（2004〜2009年）はアーシャムの最初の主要作品であり、空間的思考へのアプローチを確立しました。（直接的影響）⁴

ハリケーン・アンドリューは、視覚的語彙を与えました。内部をさらけ出す構造物、散乱し再構成される物体、破壊によって見慣れないものと化した日常。すべての侵食された彫刻は、ハリケーンが制御不能に行ったことを、制御された形で再現したものです。（形成的体験）²

彼が形づくったもの

アートと商業の境界。 アーシャムはギャラリー（ペロタン）、プロスポーツ（クリーブランド・キャバリアーズ）、ファッション（Dior、Adidas）、高級品（Porsche、Tiffany、Rimowa）、映画を同時に横断し、いずれのメディアも他より正当なものとして扱いません。「白いTシャツがキャンバスと同じようにアートによって変容できない理由はありません。」¹

ヴァージル・アブローとアーシャムは「すべてはデザインである」という信念を共有していました。アブローはアーシャムのリッツォーリ社モノグラフの序文を執筆。両者ともギャラリーの作品と商業プロダクトを区別することを拒みました。（相互的影響）⁸

系譜の位置づけ

アーシャムは、本シリーズにおいてアートとプロダクトが出会い、どちらも謝罪しない地点に位置しています。Futuraは地下鉄の車両からギャラリー、そしてSupremeとのコラボレーションへ――グラフィティから商業へのパイプラインを切り開きました。アーシャムはギャラリーから出発し、NBAのコート、スニーカー、Porscheとのパートナーシップへと外側に向かいますが、その外向きの動きを妥協とは見なしません。藤原ヒロシはメディアを横断してキュレーションし、ファレルはメディアを横断してアレンジします。アーシャムはメディアを横断して侵食する――バスケットボールにも、建築にも、ランウェイショーにも同じ時間的置換の手法を適用するのです。メディアは変わりますが、手法は変わりません。（シリーズの架橋）

ここから何を受け取るか

「おそらく新しいアイデアの50%は、うまくいかなかったものから生まれます。」これはデバッガーの思考法そのものです。失敗した実験はデータであり、無駄ではありません。昨年うまくいかなかったものが、今年の問題の解決策になるかもしれない――それを手放さなければ。

FAQ

ダニエル・アーシャムのデザイン哲学とは？

アーシャムは「架空の考古学」を実践しています。現代の日用品を地質学的素材（火山灰、水晶、石英）で鋳造し、遥か未来から発掘されたかのような彫刻を制作します。時間をデザイン素材として使い、崩壊と形成という二重の読み取りを提示するのが特徴です。アートと商業を不可分なものとして扱い、彫刻、建築、ファッション、映画、プロスポーツを横断して活動しています。¹

ダニエル・アーシャムは何を創造しましたか？

Snarkitectureの共同設立（2007年）、架空の考古学シリーズ（2011年〜現在）、ナショナル・ビルディング・ミュージアムでのThe Beachインスタレーション（2015年）、クリーブランド・キャバリアーズのクリエイティブディレクター就任（2020年〜現在）が代表的な活動です。Dior、Adidas、Porsche、ファレル・ウィリアムス、Tiffany & Co.とのコラボレーションも手がけています。回顧展「Wherever You Go, There You Are」はオレンジカウンティ美術館で開催されました（2023年）。⁵⁶⁷

ダニエル・アーシャムの作品はストリートウェアやファッションとどう関わっていますか？

アーシャムはファインアートと商業デザインの間を、両者を区別することなく橋渡ししています。Dior、Adidas、Porscheとのコラボレーションでは、ギャラリーの彫刻と同じ架空の考古学の手法を適用しています。ヴァージル・アブローがモノグラフの序文を書き、両者は消費者向けプロダクトもギャラリーの壁と同様に有効なキャンバスであるという信念を共有していました。⁷⁸

デザイナーはダニエル・アーシャムから何を学べますか？

失敗こそが手法の50%を占めます。うまくいかなかったものは、次の試みのためのデータです。時間の観点から考えましょう――デザインしたものはすべていつか遺物になります。その意識を持ってデザインすれば、何を優先すべきかが変わってきます。そしてアートと商業の境界はフィクションです。彫刻に注ぐ注意の質は、ロゴにも、コートデザインにも、スニーカーにも、同じように注がれるべきものなのです。

出典