デザイン哲学：ヴァージル・アブロー——すべてに引用符を

原則

「2%多くするか、2%少なくするか——それだけで何かが完全に変わる。僕のチートコードは3%だった」——ヴァージル・アブロー、ハーバードGSD講演、2017年¹

アブローはこれを「3%アプローチ」と呼び、その起源をマルセル・デュシャンに求めました。1917年、デュシャンは大量生産された男性用小便器に「R. Mutt」と署名し、泉と名づけて美術展に出品しました。物体そのものは変わっていません。変わったのは文脈のすべてです。デュシャンは小便器をつくったのではなく、小便器がアートであるという「決定」をしたのです。選ぶという行為そのものが創造行為でした。

アブローはこの原則を、自らが手がけるあらゆるメディアに適用しました——ファッション、家具、建築、音楽、グラフィック。ゼロから始めるのではなく、すでに存在するものから始め、編集を加え、その編集自体がステートメントになるまで磨き上げます。彼の代名詞的手法が引用符でした。「SHOELACES」とシューレースにプリントし、「AIR」とミッドソールに手書きし、「SCULPTURE」とIKEAのバッグにラベルを貼る。すべてが引用符の中に。引用符が語っているのは、「このオブジェクトは自分が何であるかを知っている、そしてあなたがそれを知っていることも知っている、その”知っている”こと自体がデザインなのだ」ということです。

Nike Air Jordan 1はNike Air Jordan 1です。しかしミッドソールにHelveticaで「AIR」と書かれ、ステッチが露出し、カットパネルの向こうにフォームが見えるNike Air Jordan 1——それがヴァージル・アブローです。靴はほとんど変わっていません。靴を取り巻くフレームが完全に変わったのです。そしてフレームこそがすべてでした。

背景

ヴァージル・アブローは1980年、イリノイ州ロックフォードにてガーナ移民の両親のもとに生まれました。母ユニスは仕立て屋、父ニーは塗料会社の管理者。家庭は労働者階級のガーナ系で、子どもたちが実用的な職業に就くことが当然とされる環境でした。アブローはウィスコンシン大学マディソン校で土木工学を学びながら、キャンパスパーティーでDJをし、友人たちとTシャツにスクリーンプリントを施していました。²

卒業後、シカゴのイリノイ工科大学（IIT）建築修士課程に進学します。IITは、ルートヴィヒ・ミース・ファン・デル・ローエが1938年から1958年まで建築学部長を務め、国際様式モダニズムの最も重要な建築のひとつであるクラウンホールを設計した場所です。アブローはミースが設計した校舎で学び、「less is more」の哲学を制度的レベルで吸収し、専門学位とともに「建築だけでは、自分が築きたいもののスピードに追いつかない」という確信を持って卒業しました。¹

2009年、アブローとカニエ・ウェストはローマのフェンディでインターンシップを獲得します。ウェストはすでに世界的スターでしたが、アブローはDJとスクリーンプリントTシャツを手がける28歳の建築学修了者にすぎませんでした。このインターンシップで二人は、ラグジュアリーファッションの内側の仕組み——アトリエ、サプライチェーン、コレクションカレンダーの儀礼——を目の当たりにします。アブローはその機械の動き方を理解し、それを再利用する計画を練り始めました。³

彼は決してひとつの肩書きに収まりませんでした。DJ、建築家、グラフィックデザイナー、家具職人、クリエイティブディレクター、ファッションデザイナー——すべてを同時に。この多面性は意図的なものだと本人は語っています。ハーバードGSD講演では「ツーリスト対ピュリスト」というフレームワークを提示しました——ピュリストは深い専門知識と1万時間の修練を持つ者、ツーリストは外部からの新鮮な視点をもたらす者。アブローは自らをあらゆる分野における永遠のツーリストと位置づけ、建築をOSとして、他のすべてを素材として扱いました。¹

「僕がすることはすべて、17歳の自分のためにある」と、彼は繰り返し語っています。「何でも可能だと信じていたあの頃の自分のために」³

作品

Pyrex Vision（2012年）：ブランドとしてのレディメイド

2012年、アブローはラルフ・ローレン・ラグビーの売れ残りフランネルシャツをファクトリーアウトレットから1枚およそ40ドルで買い付けました。背面に「PYREX」と「23」の数字をスクリーンプリントし、550ドルで販売。Championのパーカーやベーシックなアスレチックショーツにもプリントを施しました。ブランド名はPyrex Vision。立ち上げからおよそ1年で、より野心的なプロジェクトのために閉鎖されます。⁸

製品はポイントではありませんでした。ジェスチャーこそがポイントだったのです。アブローは3%アプローチを商業規模で実証していました——あるコンテキスト（ラルフ・ローレンのアウトレット棚）から既存の衣料品を取り、最小限の介入（スクリーンプリントのテキストと数字）を加え、別の市場（ストリートウェア）でリコンテクスチュアライズする。510ドルの価格差が、レディメイドを経済として読解可能にしました。ファッションプレスは天才と呼ぶべきか詐欺と呼ぶべきか判断できなかった。どちらの反応もコンセプトが機能した証拠でした。

Pyrex Visionは、レシート付きのデュシャンの泉だったのです。

Off-White（2013-2021年）：すべてに引用符を

2013年、アブローはミラノでOff-Whiteを設立します。ブランドのシグネチャーは引用符でした。シューレースには「SHOELACES」、露出したミッドソール素材には「FOAM」のスタンプ、パッケージバッグには「PLASTIC」のエンボス。斜めのストライプが衣服を横切り、倉庫安全用のイエロー工業用ベルトがファッションアクセサリーとして転用されました。靴にはジップタイがハングタグとして永久に取り付けられたまま。すべての要素が、引用符の中で自分自身を名づけている——まるでその衣服が、物であると同時に物についての論評でもあるかのように。³

引用符そのものがデザインでした。すべての製品を、自己言及的なテキストに変えたのです。「INDUSTRIAL BELT」とラベルされたベルトは、ベルトであり、これがベルトであるというステートメントであり、なぜベルトがこの値段なのかという問いでもある——すべてが同時に。この手法はコンセプチュアルアートの系譜に連なります。ジョセフ・コスースのOne and Three Chairs（1965年）は、実物の椅子、椅子の写真、そして「椅子」の辞書的定義を並べて展示しました。アブローはコスースの三重化を消費財に適用し、オブジェクトとその批評をひとつの購買行為に折りたたんだのです。

Off-Whiteは2014年、提出初年度でLVMHプライズのファイナリストに選出されました。2017年までには大きな収益を上げ、世界で最も検索されるファッションブランドのひとつとなります。以降のあらゆる展開の出発点となりました。⁹

Nike「The Ten」（2017年）：デザイン言語としてのデコンストラクション

2017年、NikeはアブローにAir Jordan 1、Air Max 90、Air Force 1、Blazer Mid、Air Max 97、Air Presto、Zoom Vaporfly、React Hyperdunk、Air VaporMax、そしてChuck Taylor（Converse経由）という10のアイコニックなシルエットとすべてを再設計する自由を与えました。その成果が「The Ten」——近代スニーカー史上、商業的にも文化的にも最も重要なコラボレーションです。⁴

アブローの介入は具体的で、10足すべてに一貫していました。通常は仕上げパネルが隠す内部フォームを露出させ、スウッシュの位置を動かし、アッパーに窓を開け、Helveticaで手書きのラベルを加えます——ミッドソールに「AIR」、レースに「SHOELACES」、メディアルサイドに「OFF-WHITE for NIKE」。どの靴も元のシルエットを保っている——3%アプローチの物理的具現化です。アーキタイプとして認識できるのに、量産版と間違えることは絶対にありません。

「The Ten」がそれ以前のすべてのNikeコラボレーションと一線を画していたのは、そのスコープと手法でした。既存シルエットに対する従来のNikeコラボレーションの多くは、カラーウェイと素材を変更するものでした。アブローが変更したのは構造そのものです。パネルを切り取り、Nikeが何十年もかけて見えなくするために磨き上げてきた製造工程を露出させました。Prestoはアッパーが切り開かれ、Blazerはヒールが解体されてフォームの内部が見え、Air Jordan 1のステッチは意図的に未処理のまま残されました。靴を再デザインしたのではなく、靴に注釈を加えたのです——完成した消費財が隠すよう設計されている労働と構造を可視化したのです。

デザインプロセスそのものが公開で記録されました。アブローはInstagramにプロトタイプの写真と手書きの注釈を投稿し、デザインがリアルタイムで進化する様子を見せました。この透明性——完成した謎を提示するのではなく、反復のプロセスを可視化すること——も手法の一部でした。「The Ten」は磨き上げられたラグジュアリーオブジェクトではなく、デザインするという行為そのものをプロダクトとして提示したのです。⁴

Louis Vuitton（2018-2021年）：ダッパー・ダンが開けた扉

2018年3月25日、LVMHはヴァージル・アブローをLouis Vuittonメンズウェアのアーティスティックディレクターに任命したと発表しました——フランスの主要メゾンでこのポジションに就いた初の黒人です。⁶

デビューコレクション、2019年春夏は2018年6月21日、パリのパレ・ロワイヤル庭園で披露されました。ランウェイの表面はスペクトルのあらゆる色を移り変わるプリズム状のグラデーション。ゲストリストは1,000人を超え、その多くは従来のファッション界の外から招かれた人々でした。ショーの締めくくりでアブローとカニエ・ウェストが抱き合ったとき、二人とも涙を流しました。その画像は世界中に広まりました。⁶

続くコレクションでは、ラグジュアリーなテーラリングとワークウェアの要素が混ざり合い、テクニカルアウターウェアのハーネスシステムが組み込まれ、Off-Whiteで確立されたグラフィック的介入——大きなテキスト、引用符、ペイントされたサーフェス——が展開されました。ストリートウェアのようなLouis Vuittonをつくったのではありません。ストリートウェアとハイファッションの区別は門番が維持するフィクションであり、その門番がたった今、鍵を渡したのだ——そう主張したのです。初のLVショーでは多様なモデルが起用され、ゲストリストは慣例を破りました——スケーター、DJ、ヒップホップアーティストがアナ・ウィンターの隣に座る。メッセージは空間的なものでした。部屋に誰がいるかが、部屋の中のすべての意味を変えるのです。

アブローは2019年に心臓血管肉腫（心臓の希少で進行の早い癌）と診断されました。ほとんど誰にも告げませんでした。治療を受けながら、コレクションのデザイン、DJセット、複数ブランドにわたるクリエイティブプロジェクトの指揮を続けました。2021年11月28日、41歳で逝去。LVMHの声明では「天才的なデザイナー、ビジョナリー、破壊的な建築家、そして非の打ちどころのないリーダー」と称えられました。⁷

メソッド

2017年10月、ハーバード大学デザイン大学院でアブローは「Insert Complicated Title Here」と題した講演を行いました。その構成は、彼が「チートコード」と呼ぶもの——建築学校、デュシャン、そして10年間あらゆるメディアでものをつくり続けた経験から蒸留されたクリエイティブワークの原則——を軸にしていました。¹

3%アプローチ：すでに存在するものから始める。3%を変える。その変更が創造的な仕事となる。これは怠惰の免罪符ではありません。元のオブジェクトを徹底的に理解し、それを変容させる正確な介入を見極めることを求める規律です。残す97%は惰性ではなく——キュレーション的判断なのです。

ツーリスト対ピュリスト：ピュリストはひとつの領域を極めます。ツーリストは習慣がないからこそ、盲点もない。最も生産的な創造的ポジションは「ピュリストの領域におけるツーリスト」——慣習を理解するだけの知識と、慣習が何を覆い隠しているかを見抜くだけの距離感を兼ね備えることです。アブローはキャリアを通じてツーリストとして各分野に参入し、ピュリストになる前に去りました。

レディメイド：あらゆるものがソース素材となります。フランネルシャツはレディメイド。スニーカーもレディメイド。167年の歴史を持つフランスのメゾンもレディメイド。創造行為とは選択と編集であり、製作ではないのです。

「建築として作品を表現する」とアブローはレム・コールハースとのSystem Magazine誌での対話で語っています。「なぜなら、僕がつくるものすべてを、人々が体験するための何かを建てることだと捉えているから」⁵

その制作量は驚異的であり、かつ意図的でした。Off-White、Louis Vuitton、Nikeコラボレーション、IKEAのMARKERAD家具コレクション、Evianのウォーターボトルリデザイン、Mercedes-Benzのクリエイティブディレクション、そして世界各地のDJレジデンシーを同時に手がけていました。この広がりを散漫さではなく、統一された建築的実践として扱ったのです。あらゆるメディアに同じ3%メソッドを適用し、すべてに同じ引用符をつけ、すべてのオブジェクトに同じ問いを投げかける——「これをリフレームしたら何が起こるか？」

影響の連鎖

彼を形づくった人々

マルセル・デュシャンが概念的フレームワークを与えました。レディメイド——何かを選ぶことが、何かを製作することと等しい創造行為であるという考え——は、アブローが手がけたすべてのプロジェクトの基盤です。GSD講演でデュシャンを明示的に引用し、3%アプローチをレディメイドの商業デザインへの現代的拡張として位置づけました。（直接的影響）¹

ミース・ファン・デル・ローエはIITの建築プログラムを通じて影響を与えました。アブローはミースが建築学校そのものとして設計したガラスと鉄骨の建物クラウンホール——素材と構造についてまったく嘘のない構造体——で学びました。ミースの素材的誠実さからディーター・ラムスの「より少なく、しかしより良く」を経てアブローの引用符に至る知的系譜は、直線ではなく分岐するものです。ミースは構造を明らかにするために装飾を除去し、ラムスは機能を明らかにするために装飾を除去し、そしてアブローはその構造と機能を明示的に名づけるテキストを付け加えました。ミースとラムスがユーザーに本質を見抜く力を信頼したのに対し、アブローはそれにラベルを貼りました——視覚的ノイズの時代に適応した、別の形の誠実さです。（制度的影響）

ダッパー・ダンは、アブローのキャリアを構造的に可能にしたストリートからラグジュアリーへのパイプラインを構築しました。ダンは1980年代に、黒人文化を通じてリコンテクスチュアライズされたラグジュアリーファッションへの需要が存在することを証明しました。そしてそれを理由に閉鎖に追い込まれました。25年後、アブローは同じ関係性を、ラグジュアリー産業が訴訟ではなく採用するモデルへと体系化しました。ダンの言葉がここにも当てはまります——「普通、俺たちが成功するには彼らにならなきゃいけない。俺たちは、彼らが成功するために俺たちにならなきゃいけない状況をつくった」。アブローは、ダンの仕事がこじ開けた扉を通って歩いたのです。（直接的影響）¹⁰

カニエ・ウェストは触媒であり協力者でした。フェンディのインターンシップ、共有する軌道、音楽・ファッション・建築・パブリックライフを同時に横断するという姿勢——ウェストは、アブローが築いたマルチハイフネイトなクリエイティブキャリアの運営モデルを提供しました。（直接的影響）

彼が形づくったもの

マルチハイフネイトなクリエイティブモデル。 アブロー以前、ファッション業界はデザイナーに自分の領域にとどまることを期待していました。アブロー以後、クリエイティブディレクターにはDJ、家具デザイン、アート展のディレクション、カテゴリー横断のコンサルティング、そしてそれ自体がクリエイティブなアウトプットとなるパブリックプラクティスの維持が求められるようになりました。職務定義そのものが変わったのです。

デザインプロセスの民主化。 プロトタイプ、スケッチ、制作途中の作品をInstagramで記録公開するアブローの手法は、デザインプロセスを、製品がどう作られるかについて一度も考えたことがなかった何百万もの人々に読み解けるものにしました。透明性をデザイン素材として扱ったのです。

貫くもの

アブローは、このシリーズ全体の緊張関係を統合する存在です。ラムスは問いました——何を取り除けるか？　アブローは問いました——何をリフレームできるか？　両者とも明晰さに到達しましたが、正反対の操作を通じて——ラムスは引き算で、アブローは注釈で。カレは説明なしで人々が理解できるアイコンをデザインしました。アブローは説明なしで人々が理解できる引用符をデザインしました。安藤はコンクリートと光で建てました。正規の訓練を受けなかったからこそ、アンラーンすべき継承された習慣がなかったのです。アブローはIITで正規に学びましたが、永遠のツーリストとして振る舞い、いかなる単一の分野にも定着することを意図的に拒みました。ダッパー・ダンは業界から締め出されたため、自らのサプライチェーンを構築しました。アブローは、ダンが数十年かけてこじ開けた正面玄関を通って入ったのです。

3%アプローチは、このシリーズにおける創造性についての最も正直なステートメントです。ゼロから始める人はいません。問われているのは、ソース素材を認めるか、存在しないふりをするか。アブローはすべてに引用符をつけました——自分自身を含めて。

ここから何を受け取るか

あらゆるオープンソースコントリビューションはレディメイドです。フォークして、3%変えて、シップする。diffが創造行為。上流のリポジトリがファウンドオブジェクト。アブローならプルリクエストを理解したでしょう。

FAQ

ヴァージル・アブローのデザイン哲学とは？

アブローの哲学の中心にあるのは「3%アプローチ」——意味のある創造にはゼロから始める必要がないという考えです。すでに存在するものを取り、それを変容させる正確な3%の介入を見極め、その編集自体を創造的な仕事とする。この手法はマルセル・デュシャンのレディメイドの概念に由来し、ファッション、建築、家具、グラフィックデザインに適用されました。自らのクリエイティブなポジションを、確立された分野に外部の視点を持ち込む永遠の「ツーリスト」と表現しています。¹

ヴァージル・アブローは何をデザインしたのか？

アブローはPyrex Vision（2012年）とOff-White（2013年）を創設し、Nikeの「The Ten」コラボレーション（2017年）やIKEAのMARKERAD家具コレクションをデザインしました。2018年から2021年の逝去まで、Louis Vuittonメンズウェアのアーティスティックディレクターを務めました——フランスの主要メゾンでこのポジションに就いた初の黒人です。Mercedes-Benz、Evianとのコラボレーションも手がけ、全期間を通じてDJとしての国際的キャリアも維持していました。³⁶

ヴァージル・アブローは現代ファッションにどのような影響を与えたか？

アブローは、ダッパー・ダンが1980年代に切り拓いたストリートからラグジュアリーへのパイプラインを体系化しました。Off-Whiteの引用符、Nikeのデコンストラクション、Louis Vuittonのコレクションは、ストリートウェアとハイファッションが別々のカテゴリーではなく、スペクトラム上のポジションであることを示しました。ファッション、音楽、アート、デザイン、パブリックカルチャーを同時に横断する分野横断的な存在としてのクリエイティブディレクター像を確立したのです。⁹¹⁰

デザイナーはヴァージル・アブローから何を学べるか？

存在するものから始めること。3%アプローチには、オリジナルを十分深く理解し、それを変容させる介入を見極めることが求められます。プロセスを可視化すること——アブローは制作途中の作品を公開で記録し、透明性とオーディエンスの両方を築きました。ソースを認めること。引用符は、素材がどこから来たかについて正直であることの表明なのです。

Sources